Carta de una desconocida, 1948

Esta es una película barroca, con una ambientación romántica preciosista. Basada en un texto de Stefan Zweig, narra en flashback la hermosa historia de amor de Lisa Bernal (Joan Fontaine) por su vecino el pianista Stefan Brand (Louis Jourdan). 


La película se inicia con la carta que recibe Brand, la carta de una mujer que le amó y a la que no recuerda. La voz en off le da un toque dramático ya que quien nos cuenta la historia, ha muerto. Max Ophüls dirige de manera magistral a sus actores dotándolos de una naturalidad casi perfecta.

TÍTULO ORIGINAL: Letter from an Unknown Woman

AÑO: 1948

DURACIÓN: 86 min.

GÉNERO: Melodrama

PAÍS: Estados Unidos

DIRECCIÓN: Max Ophüls

GUIÓN: Howard Koch (Novela: Stefan Zweig)

REPARTO: Joan Fontaine, Louis Jourdan, Mady Christians, Marcel Journet, Art Smith, Carol Yorke

Argumento:

Estamos en Viena, a principios del siglo XX. Stefan Brand, un famoso pianista, regresa a su casa de noche, cansado y un poco asqueado, al día siguiente tiene que batirse en duelo con un marido despechado. Duelo al que no piensa acudir. 


Su mayordomo le entrega una carta de alguien con quien mantuvo un corto idilio, Lisa Bernal, una desconocida que pasó por su vida sin dejar huella. Y, sin embargo, ella siguió apasionadamente enamorada hasta su muerte, de aquel joven músico que conoció cuando era todavía una niña. Obsesionada por ese amor no duda en sacrificar la tranquilidad y el futuro de su hijo, abandonando a su marido.

Cuando leas esta carta puede que ya haya muerto. ¡Tengo tanto que contarte! y tan poco tiempo…

Mi escena favorita: La escena de la conversación de Lisa con su marido en el carruaje.

Luz de Gas, 1944

El director conocido por su buen hacer dirigiendo actrices, George Cukor, fue el encargado de llevar al cine la obra teatral “Gaslight” del dramaturgo alcohólico, de origen británico, Patrick Hamilton (La Soga).

Luz de gas es sin duda una obra maestra sin paliativos en cuanto a guión y trama, pero también en su puesta en escena de tintes victorianos. Ingrid Bergman está soberbia en el  papel de una mujer seducida por un hombre perverso que la llevará al borde de la locura. Mientras que Charles Boyer es el perfecto villano envuelto en un halo de elegancia y cinismo.

TÍTULO ORIGINAL: GASLIGHT

AÑO: 1944

DURACIÓN: 114 min.

GÉNERO: Drama psicológico – Thriller victoriano

PAÍS: Estados Unidos

DIRECCIÓN: George Cukor

GUIÓN John van Druten, Walter Reisch, John L. Balderston (Obra: Patrick Hamilton)

REPARTO: Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Dame May Whitty, Angela Lansbury,Barbara Everest, Emil Rameau, Edmund Breon.

Argumento:

La diva del bel canto, Alicia Alquist, es asesinada en Londres por un misterioso intruso que, en medio de la noche, se cuela en su casa de Thornton Square. La cantante vivía con su sobrina Paula (Ingrid Bergman) que después del suceso es enviada a Roma, al cuidado de un profesor de canto. Pasan diez años en los que la pequeña Paula se ha convertido en una hermosa mujer. La joven se enamora de un músico amigo de su profesor, Gregory Anton, con el que se casa en las proximidades del lago Como y con el que se marcha a vivir a Londres, a la casa familiar de Thorton Square, dónde su tía fue asesinada...

Luz de gas es una película sublime, repleta de momentos dulces cargados de tensión. Un esposo entregado a un plan perverso que tiene en su esposa una víctima propicia. El policía que sospecha y trata de ayudar al cordero que se ofrece voluntario para ir al matadero. La luz de gas que agoniza en la casa cuando en el desván se encienden las lámparas. Y un final sorprendente, con una catarsis del personaje femenino que se alimenta de la angustia que ha ido acumulando, para crear un nuevo personaje capaz de enfrentarse al monstruo. 


Mi escena favorita: La escena final.

¡OJO! ESCENA FINAL

Alma en suplicio, 1945

Basada en la novela homónima de James M. Cain (El cartero siempre llama dos veces, Perdición). La película tiene los rasgos propios del cine negro: la atmósfera densa, ambigüedad entre el bien y el mal, personajes que caminan hacia el desastre, la utilización del flash back, la voz en off. Dos mujeres obsesivas, madre e hija, que tejen el drama y la tragedia desde la infancia de Veda, la hija mayor. Una excelente película, con un inicio sorprendente al más puro estilo del cine negro.

Argumento:

Mildred Pierce (Joan Crawford), casada y madre de dos hijas, decide poner fin a su matrimonio harta de tener un marido perezoso y sin expectativas que considera un lastre para la vida que quiere dar a sus hijas, sobre todo a Veda, la mayor. Para salir adelante tiene que aceptar un trabajo de camarera, algo que la humilla y avergüenza frente a Veda (Ann Blyth), por lo que se esfuerza en que su hija no lo sepa. Veda es consentida y egoísta y crece sin apreciar en nada los esfuerzos de su madre.

TÍTULO ORIGINAL: Mildred Pierce

AÑO: 1945

DURACIÓN: 109 min.

GÉNERO: Cine negro, Drama

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Michael Curtiz

GUIÓN: Ranald MacDougall y Catherine Turney, sobre la novela homónima de James M. Cain.

REPARTO: Joan Crawford, Jack Carson, Ann Blyth, Zachary Scott, Eve Arden, Bruce Bennett, Veda Ann Borg, George Tobias.

Mildred Pierce es el retrato de una madre coraje, obsesiva y excesivamente sobreprotectora, que arruina el carácter de su hija a fuerza de quererla. El fracaso por exceso, en la educación de los hijos, tema que no tiene época y podría extrapolarse a cualquier momento de la Historia en el que aparezcan una madre y una hija.

Mi escena favorita: Cuando la hija se descubre ante su madre y le cuenta quién es en realidad. Vemos cómo destruye al personaje de Mildred y su madre la besa en un gesto de aceptación total. Una declaración silenciosa en el que la madre confiesa que la amará a pesar de todo.

Este papel le sirvió a Joan Crawford para ganar su único Oscar. 

Un corazón en peligro, 1944

“Recuerdo que un amigo de mi madre decía: Voy andando y en la distancia veo lo que parece un animal. Me acerco y veo que es un hombre. Me acerco más y veo que es mi hermano.”

Un corazón en peligro, está ambientada en el Londres previo a la II Guerra Mundial. Su atmósfera es espesa como la niebla que lo invade todo y sus personajes parecen a punto de quebrarse ante nuestros ojos. Pero lo mejor del guión es el mensaje, que trasciende el momento y la época, para venir a caer a nuestros pies, como si lo hubiesen lanzado desde la esquina más próxima a la calle por la que caminamos.

La cinta se inicia con Cary Grant y Barry Fitzgerald en una Iglesia frente a la tumba al soldado desconocido. Una voz en off nos advierte que Ernie Mott está frente a esa tumba, perteneciente a un soldado anónimo de la I Gran Guerra, sin saber que él mismo tendrá una igual de la II Guerra Mundial.

-“Soy un lobo solitario que aulla asqueado por un mundo que yo no he creado y que no me gusta”.  

TÍTULO ORIGINAL: None But the Lonely Heart

AÑO: 1944

DURACIÓN: 113 min.

GÉNERO: Drama

PAÍS: Estados Unidos

DIRECCIÓN: Clifford Odets (según la novela de Richard Llewellyn)

GUIÓN: Clifford Odets

REPARTO:Ethel Barrymore, Cary Grant, George Coulouris, Jane Wyatt, June Duprez, Barry Fitzgerald

Argumento:

Ernie Mott es un londinense de clase baja que va por la vida sin querer atarse a nada ni a nadie, con una filosofía de vida basada en el “vive y deja vivir”.

–“A la vaca que se queda quieta, la ordeñan”

La historia empieza con el regreso de Ernie a casa de su madre (Ethel Barrymore) viuda, de la que se marchó tres meses antes. Odia el negocio familiar, una tienda de empeño dónde los pobres del barrio cambian sus insignificantes pertenencias por unas monedas.

–“No conseguirás que me quede a llevar la tienda. Si me cortasen las piernas y me trajesen aquí saldría arrastrándome hasta la calle. No es lo mío sacar peniques a pobres diablos más míseros que yo.”

Después de un par de días en casa anuncia que vuelve a marcharse. Contra la voluntad de la anciana, un buen amigo (Konstantin Shayne) advierte a Ernie de que su madre está gravemente enferma y él decide quedarse a ayudarla. Un mafioso, una mujer y los demás habitantes del barrio, entrelazan una trama intensa y con difícil resolución. 


Mi escena favorita: cuando Ernie va con los matones de Jim Mordinoy a la tienda del amigo de su madre (Konstantin Shayne).

Una película profunda y descarnada con una música de fondo basada en la obra de Tchaicovski “None But the Lonely Heart” que os dejo en la interpretación de David Garret.

–Estoy soñando abuelo, soñando con un hombre mejor, difícil meta, la más ambiciosa que hay. ¿Cuándo encontrará el mundo la luz? ¿Cuándo dejará el hombre de estar de rodillas?

Luna nueva, 1940

Es una película intensa y trepidante, con un guión extraordinario basado en una obra teatral de Ben Hecht y Charles McArthur “The front page”. Los teléfonos sonando y los reporteros hablando a la vez contando la misma historia de modo completamente distinto. Todos los personajes se mueven constantemente frente a la cámara, entran y salen en una incansable búsqueda de la noticia. Una sátira periodística, enloquecida y cínica con diálogos brillantes. La corrupción política expuesta de un modo descarnado y sin ambages, el poder de la prensa y su prepotencia en algunos momentos, adornada por unas estrellas, Cary Grant y Rosalind Rusell, que se entregan por completo a sus personajes.

Argumento

“Todo esto ocurrió en la época oscura del periodismo, cuando un reportero a la caza de una noticia era capaz hasta de justificar un asesinato. Naturalmente, lo que se ve en esta película no tiene ninguna relación con los periodistas de hoy.

Bien, érase una vez…”

Con esta voz en off se inicia la secuencia que da paso a la aparición de Hildy Johnson (Rosalind Russell), que llega a la redacción del Morning Post, dispuesta a darle un último y definitivo puntapié a su exmarido y exjefe, Walter Burns (Cary Grant). Va acompañada de su prometido con el que contraerá segundas nupcias, al día siguiente. Les espera un tren a Albany, en el que viajarán junto a la madre del novio, mientras en la redacción de todos los periódicos de la ciudad esperan la decisión del Gobernador sobre la pena de muerte de un pobre hombre que no saben aún si está loco o cuerdo.

TÍTULO ORIGINAL: His Girl Friday

AÑO: 1940

DURACIÓN: 92 min.

GÉNERO: Comedia

PAÍS: Estados Unidos

DIRECCIÓN: Howard Hawks

GUIÓN: Charles Lederer

REPARTO: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Helen Mack, Roscoe Karns.

En la obra de teatro los dos protagonistas son hombres, pero Howard Hawks quiso trasformar a Hildy en una mujer, fuerte y segura, que tiene a su alter ego en el misógino, egocéntrico y sin escrúpulos Walter Burns, personaje con el que él mismo hubiese podido sentirse identificado.

Mi escena favorita: Cuando la supuesta novia del asesino se lanza por la ventana frente a la mirada pávida de todos los periodistas. Creo que refleja perfectamente el espíritu de la película, la escena en sí y la posterior reacción de los personajes. Aunque una de las más divertidas, sin duda, es esta.

Rebecca, 1940

Si tuviera que elegir una película entre la larga lista que guardan los libros de filmografía, seguramente me quedaría con esta de Hitchcock. No porque sea la mejor película del cine, sino porque tiene algo que la define como la película más cinematográfica de la historia: su atmósfera, mágica y en blanco y negro, que sugiere que hay vida detrás de la pantalla. Una historia lúgubre repleta de palabras no dichas, de imágenes ocultas. Esa habitación intacta mostrada por la que idolatra al ángel caído...

Argumento

En Montecarlo, una joven e inocente dama de compañía (Joan Fontaine), conoce a Maximilian de Winter (Laurence Olivier), aristócrata inglés que se recupera de la muerte de su esposa, Rebecca, en extrañas circunstancias. La joven se enamora casi inmediatamente del aristócrata y, de manera inesperada, el señor De Winter le propone matrimonio. Los recién casados se van a vivir a Maderley, en Cornualles, Inglaterra, donde la sombra de la anterior señora de Winter, sigue presente en cada rincón y en el recuerdo de todos los que la conocieron.

AÑO: 1940

DURACIÓN: 130 min

GÉNERO: Drama y Suspense

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Alfred Hitchcock         

GUIÓN: Robert E. Sherwood y Joan Harrison, sobre la novela homónima de Daphne du Maurier

REPARTO: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson

Una producción de Selznick International Pictures

Oscar a la mejor película, 1940

Muchas veces me he preguntado por qué Daphne du Maurier no puso nombre a la segunda señora De Winter. Supongo que pretendía poner énfasis en el nombre de la primera, Rebecca. Y su nombre está presente por todas partes en aquella casa, en los pañuelos, las servilletas, el papel de carta y los sobres. En las sábanas de su cama... 

Lo más inquietante de esta historia es el protagonismo que otorga Hitchcock a un personaje ausente durante toda la cinta. La sombra de Rebecca se pasea por Mandeley ante la temerosa y acobardada señora De Winter. Dirige las vidas de todos desde el más allá con una sutil y diabólica indiferencia.

Mi escena favorita: La joven señora De Winter entra a escondidas en la habitación de Rebecca. Al fondo de la imagen la cortina trasparente tras la que se esconde la cama, de fondo la música del fantasma de la muerta. El miedo a tocar nada, a ser reprendida por su osadía, la sensación de ser vigilada. Un golpe de la ventana y la imagen recortada de la Señora Danvers tras la cortina trasparente.

“Anoche soñé que volvía a Manderley...”

El Halcón Maltés, 1941

Con esta película, John Huston abandona su mesa de trabajo, como escritor, para cambiarla por la silla de director. 

Hay quién dice que con esta película empieza el Cine Negro y hay que reconocer que tiene todas las características y argumentos que definen a este género. Atmósfera oscura, hombres duros y crueles,  mujeres engañosas y una sociedad desesperanzada. 

La figura del detective siempre en contraposición a la policía, crítico y con una moral muy suya, pero a la que se aferra contra todo y contra todos.

TÍTULO ORIGINAL: The Maltese Falcon

AÑO: 1941

DURACIÓN: 100 min.

GÉNERO: Cine negro

PAÍS: Estados Unidos

DIRECCIÓN: John Huston

GUIÓN: John Huston (según la novela de Dashiell Hammett)

REPARTO: Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George, Peter Lorre, Barton MacLane, Lee Patrick, Sydney Greenstreet, Elisha Cook Jr., Ward Bond, Walter Huston, Jerome Cowan

SINOPSIS: Sam Spade (Humphrey Bogart), detective privado y su socio aceptan un encargo que, en principio, se presenta como uno de tantos.  La señorita Ruth Wonderly (Mary Astor), les contrata para buscar a su hermana que ha desaparecido con Floyd Thursby, un hombre, según ella, despreciable. El socio de Spade sale a buscar al supuesto embaucador y es asesinado.

Aquello deja de ser un caso “sin importancia” para convertirse en un asunto personal. Spade descubre que Ruth Wonderly es en realidad Brigid O’Shaugnessy y que lo que busca es El Halcón Maltés, una estatuilla con forma de halcón, de oro macizo y piedras preciosas, que los Caballeros de la Orden de Malta quisieron regalar al Emperador Carlos V. Aquello ocurrió en el siglo XVI y la estatuilla se perdió cuando unos piratas asaltaron la nave que la trasportaba. Ahora esa estatuilla vale una fortuna y, además de la señorita O’Shaugnessy, también van tras ella un grupo de delincuentes dispuestos a todo. 


Mi escena favorita: La final "pesa mucho, ¿de qué está hecho?. Del material con que se forjan los sueños."  Si no habéis visto la película, dejadla para cuando lo hayáis hecho.